피아노 소나타 21번(베토벤)
1. 개요
루트비히 판 베토벤이 작곡한 피아노 소나타로 1804년 그의 나이 34세에 작곡되였다. '발트슈타인'이라는 별명은 자신의 소년 시절(Bonn 시절)의 지인이자 후원자였던 페르디난트 폰 발트슈타인(Ferdinand Ernst Joseph Gabriel von Waldstein) 백작에게 이 작품을 헌정한 것에서 유래되었다. 소나타 23번 '열정' (op.57), 26번 '고별'(op.81a)과 함께 베토벤 2기의 가장 유명한 소나타이며 베토벤의 음악적 황금기를 본격적으로 꽃피우게 한 명작이다.
2. 작곡 배경
베토벤은 22살에 빈(Wien)에 온 이후 이 음악의 본고장에서 착실하게 명성을 쌓고 촉망받는 신인 작곡가이자 연주자로 도약하고 있었다. 그런데 승승장구하던 그에게 정말 예기치 못한 불행이 찾아왔는데, 20대 후반부터 원인 모를 귓병이 생긴 것이다. 하필 음악가에게 귓병이라니! 그는 절친들에게조차 철저하게 이 사실을 비밀에 붙이고 백방으로 치료를 시도해 보았으나 상태는 점점 나빠지기만 했다. 귓병이 천형(天刑)임을 깨닫고 상심한 베토벤은 삶의 희망을 버리고 자살할 생각까지 했으며 1802년 유명한 하일리겐슈타트의 유서를 썼다. 그러나 천만 다행으로 어렵게 삶의 희망을 되찾은 베토벤은 이제부터 누구도 쓰지 못한 새로운 음악을 쓰겠다고 다짐했다.
이런 일련의 육체적,정신적 고통을 겪은 후 흔히 영웅시대(Heroic Age)라고 불리는 베토벤의 제 2기(1803~1815)가 시작되었다. 이 시기는 별명에 걸맞게 베토벤의 창작열과 독창성이 본격적으로 빛을 발했던 시기이며 베토벤 인생에서 가장 행복한 시기였다. 물론 내적으로는 귓병이 계속 악화되고 사랑했던 여인들과의 연애사가 잘 안풀리는 등의 아픔이 있었지만, 음악적으로만 보면 황금기라고 부르기에 손색이 없었다. 이 발트슈타인 소나타는 베토벤의 리즈시절을 본격적으로 알리는 신호탄에 해당되는 작품으로 음악사적으로도 베토벤의 인생에서도 정말 중요한 작품이다.
이 작품이 출판되었던 1804년은 서양 음악사의 신기원이 된 영웅 교향곡이 초연된 해이기도 했다. 발트슈타인 소나타는 이 영웅 교향곡의 피아노 버전으로 볼 수 있는데, 이 작품은 기존의 독주곡처럼 선율 위주로 곡을 구성하는 관념을 벗어 던지고 견고한 구축력을 바탕으로 짧고 간결한 주제를 현란하게 변화시키고 있으며 강약의 대비, 급격한 속도 변화 등을 통해 전례 없는 풍부한 음향효과를 구현하고 있다. 이처럼 발트슈타인 소나타는 당시 기준으로 기법적인 혁신을 달성하고 있는데 이에 대한 자세한 사항은 후술되는 작품 구성을 참조하기 바란다.
한편 베토벤이 이처럼 중요한 작품을 쓸 수 있던 배경에는 악기의 발달도 한 몫 했다. 프랑스의 건반악기 제작자 세바스티앙 에라르(Sébastien Érard, 1752-1831)는 피아노 발달사에서 상당히 중요한 역할을 한 인물인데, 베토벤이 이 소나타를 쓸 당시 에라르사에서 획기적으로 성능을 개선한 피아노가 제작되었다. 이 피아노는 음역이 5.5 옥타브로 기존의 피아노에 비해 1옥타브 가까이 음역이 확장되었으며 음량도 커지고 건반을 눌렀을 때 음의 지속시간도 상당히 길어졌다. 음색도 한층 또렷해져서 저음이 명확하게 구별되어서 들리고 중첩화음이나 긴 트릴을 구현할 때 문제가 됐던 지저분한 소리도 많이 사라졌다. 무엇보다도 페달이 획기적으로 개선되었는데, 페달링을 통해 울림이나 서스테인, 약음 등을 효과적으로 구현할 수 있게 되면서 악기의 표현 영역도 한층 넓어졌다. 발트슈타인 소나타는 이렇게 획기적으로 개선된 피아노의 역량을 110퍼센트 발휘할 수 있도록 작성된 작품이다.
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- 1803년 에라르사에서 제작된 피아노로 베토벤이 애용했던 피아노이다.
3. 작품 구성[2]
이 작품이 2악장 구성인지 3악장 구성인지에 대해서는 다소 논란이 있다. 기존의 2악장을 빼고 추가한 아다지오를 독립적인 악장으로 볼 것인지 아니면 2악장에 붙은 서주로 볼 것인지에 따라 판단이 달라지기 때문. 하지만 이 아다지오는 악보가 한 페이지 밖에 안될 정도로 길이가 짧으며 곡 내용도 독립적인 의미를 갖고 있다기 보다는 1악장과 2악장 사이의 간주라는 의미가 강하기 때문에 대체로 2악장의 서주로 보는 견해가 우세하다.
기본 조성은 C장조인데, 친숙한 조성이라고 연주하기 쉬울 것으로 생각하고 접근했다가는 진정한 지옥을 맛보게 된다. 조성의 친숙함을 제외하고는 기술적으로나 표현적으로나 정말 어려운 작품이다.
3.1. 1악장: Allegro con brio
통상적인 소나타 형식에 비교적 충실하게 따르고 있다. 초반에 두 개의 주제가 제시된 후에 발전부가 나오고 다시 주제가 재현된 후 코다로 마무리된다. 그러나 재현부에서 주제가 그대로 제시되지 않고 1주제가 A단조로 전조하는 등 주제가 많이 비틀리고 변화되고 있으며 결말부에 신경을 많이 쓰는 베토벤 답게 코다가 상당히 규모가 크고 화려하게 구성되어 있다.
곡 맨 처음에 등장하는 1주제는 C장조로 특별한 선율이 없는 저음부의 연속화음으로 구성되어 있다.
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결코 아름답다고 볼 수 없는, 그냥 쿵쿵거리는 듯한 저음을 주제로 사용해서 12분이 넘은 큰 규모의 곡을 구성한다는 것은 당시로서는 상상조차 하기 힘든 파격이었다. 물론 이런 시도는 베토벤이 처음은 아니었으며 도메니코 스카를라티나 바흐 등의 선배들도 자신의 능력을 뽐내기 위해 일부러 시시한 주제를 바탕으로 해서 작품을 쓰기도 했다.[3] 하지만 베토벤은 아예 주제에 대한 미련 자체를 버리고 구축에 의한 음악적 효과에 역점을 두었다는 점에서 선배 작곡가들과는 완전히 다른 차원의 접근을 하고 있다. 이런 작곡법으로 만든 작품은 당연히 표면적인 아름다움은 약해지지만 대신 작품의 규모를 크게 확대할 수 있고 변화무쌍한 구성의 효과를 활용해서 작곡가의 개성과 철학을 마음껏 표출할 수 있게 된다.
이처럼 구축력 실험에서 성공을 거둔 베토벤은 발트슈타인 소나타 이후의 많은 중요한 작품에서도 짧은 주제를 효과적으로 처리하여 전례없는 규모와 작품성을 구현할 수 있었다.[4]
다시 주제 이야기로 돌아가서, 1주제가 제시된 직후 음높이만 2도 아래(쉽게 말해서 한음 아래)로 내린 패시지가 반복된다.
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베토벤은 이처럼 주제가 제시된 후 2도 또는 단 2도 음정 관계를 갖는 패시지를 반복하는 수법을 상당히 즐겨서 사용했다. 이미 발트슈타인 소나타가 작곡되기 전에 피아노 소나타 16번(op. 31a) 1악장에서도 이런 수법을 사용하였으며 발트슈타인 소나타 이후에는 더 자주 사용했다. 이런 수법은 주제가 짧고 단순하기 때문에 효과적으로 구현될 수 있는데, 만약 주제의 선율이 길거나 굉장히 아름다울 경우 오히려 음가를 바꾸기가 상당히 곤란해지기 때문이다.[5]
이어 34마디부터 E 장조의 제2 주제가 등장한다(붉은 색 박스가 제 2 주제). 통상적인 소나타에서는 1 주제와 2 주제의 조성이 4도나 5도 관계를 갖는데, 이 1악장에서는 두 주제의 조성이 3도 관계를 갖는 것이 좀 특이하다. 이 3도 음정은 베토벤과 매우 매우 관련이 깊은 음정으로 이 소나타 외에도 그의 중요한 작품에서 상당히 광범위하게 쓰이고 있는, 이른바 '베토벤 음정'이다.
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3.2. 2악장: Introduzione: Adagio molto
전술했다시피 이 짧은 서주는 원래 계획에 없었다가 기존의 느린 2악장이 소나타에서 빠지면서 새롭게 추가되었다. F장조의 조성을 갖고 있으며 3악장으로 자연스럽게 넘어가도록 하는 일종의 가교역할을 하고 있다.
처음에는 느리고 약하게 시작했다가 점차 분위기를 고조시킨 후에 다시 조용한 음으로 마무리 되면서 3악장이 본격적으로 시작된다. 이 서주는 독자적인 음악적 의미가 있는 부분은 아니지만 1악장의 격정적인 분위기를 진정시키면서 3악장이 시작되기 전 긴장감을 조성시키는데 일조하고 있다.
다른 악장만큼은 몰라도 이 악장은 별개의 악장으로 분류할 것인가 그렇지 않을 것인가가 논란이 많은데, 3악장 형태로 보는 이들은 악장의 조성이 기존 조성이 아닌 f장조이며, 본래 안단테 파보리가 있었던 악장이었기 때문에 따로 보아야 한다는 의견이 있으며, 2악장 형태로 보는 이들은 f장조-c장조를 아예 서주와 론도로 보기 때문에 2악장으로 표기해야 한다 주장한다. 실제로도 악장 표기가 엇갈리기 때문에, 이에 대한 판단은 연주자나 출판사의 재량에 맡기는 편.
3.3. 3악장: Rondo: Allegretto moderato – Prestissimo
주제가 일정한 주기로 계속 반복되는 론도 형식을 갖고 있으며 주 조성인 C장조로 시작된다. 상당히 흥미로운 악장으로 화려한 기교와 더불어 아름답고 서정적인 주제 부분과 빠르고 강렬한 삽입부가 계속 대비를 이루면서 진행되며 마지막 코다는 과격할 정도의 급속함과 격정이 돋보인다. 또한 페달을 적극적으로 활용하여 풍부한 울림과 신비감을 고조시키고 있다. 굉장히 스케일도 크고 웅장해서 처음 들으면 관현악을 연상시킬 정도.
처음에는 피아니시모(pp)의 음량으로 조용하게 왼손이 주제를 연주하고 오른손이 아르페지오 스타일로 반주를 담당한다.[6]
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이후 주제-반주 관계가 오른손-왼손으로 바뀌고 오른손의 긴 트릴이 등장하면서 점점 분위기가 고조되다가 54마디에서 포르티시모(ff)의 강한 음량으로 오른손에서는 트릴을 연주하고 왼손에서는 글리산도(gilssando) 스타일의 전개가 등장하면서 절정에 이른다. 이어 a단조로 전조가 되면서 새로운 선율이 등장한다. [image]
론도형식에 맞춰서 주제와 삽입부분이 번갈아 나오는 구조가 3번 정도 반복된 후에 프레스티시모(prestissimo)의 속도로 굉장히 빠르고 격렬하게 변형된 주제를 연주한 후 코다로 이어진다. 곡의 전체적인 구성은 다음과 같다.
'''A(C장조) - B(a단조) - A(C장조)- C(c단조) - A(C장조) - B'(C장조) - D(C장조, 프레스티시모) - 코다(C장조)'''
복잡한 분석은 차치하고 일단 프레스티시모 이후에 전개되는 격정적인 패시지를 유심히 들어보면 향후 베토벤이 나아갈 음악적 지향을 알 수 있다. 바로 이 패시지로부터 베토벤은 자신의 스승 하이든과 모차르트로부터 완전히 벗어난 자신만의 음악세계를 구축하게 된다.
3.4. Andante Favori(WoO 57)
전술한 바와 같이 이 곡은 원래 발트슈타인 소나타의 2악장이 될 예정이었으나 마지막 출판단계에서 빠지면서 1805년에 소곡으로 따로 출판되었다. 주 조성은 F장조이며 형식은 원래의 3악장과 마찬가지로 론도형식이다. 원래 속도 지시는 Andante grazioso con moto인데 후술되는 에피소드 덕분에 안단테 파보리라는 별명을 얻었다. 베토벤은 이 곡을 당시 자신과 사귀고 있던 요세피네 브룬시비크(Josephine Brunsvik)에게 헌정했다.
베토벤의 제자이자 출판업자였던 페르디난트 리이스(Fredinand Ries, 1784-1838)는 3악장으로 되어 있는 발트슈타인 소나타의 첫 악보를 검토한 후 전체적으로 소나타가 너무 길고[7] 론도 형식의 악장이 두개나 있어서 형식적인 측면에서도 부적절하다고 지적했다.이런 지적이 받아들여지면서 결국 이 곡은 소나타에서 빠지게 되었는데, 이후 발트슈타인 소나타는 명작으로 각광을 받은 반면 이 안단테 파보리는 존재를 아는 사람조차 별로 없을 정도로 묻히는 신세가 되었다.
이처럼 불운한 작품이지만 애초에 걸작 소나타의 한 악장으로 작곡되었던 만큼 음악적으로 만만한 작품은 결코 아니며, 베토벤은 이 곡을 매우 좋아해서 사교모임이나 연주회에서 이 곡을 즐겨서 연주했다고 한다. 그래서 베토벤의 제자였던 카를 체르니가 이 작품에 안단테 파보리(Favorite Andate)라는 별명을 붙였던 것. 한편으로 베토벤이 이 곡을 자주 연주한 것에 대해서는 다른 이야기가 있는데, 이 작품이 소위 요제피네의 주제(Josephine's theme)를 담고 있으며 결국 요세피네와의 사랑이 결실을 맺지 못하자 베토벤이 틈틈이 이 곡을 연주하면서 상심을 달랬다는 것이다. 물론 이런 주장이 얼마나 사실에 부합하는지는 알 수 없다.
- Andante Favori, WoO 57(Konstantin Semilakovs)
4. 평가
전술한 바와 같이 이 발트슈타인 소나타는 시련을 딛고 일어선 베토벤의 새로운 각오와 피아노라는 악기의 기술적인 발전이 맞물려서 이룩된 역사적인 작품이다. 베토벤 당시 기준으로 전례 없는 현란한 기교와 화려한 음향, 파격적인 규모와 구성을 자랑했던 이 작품은 당대 사람들에게 '피아노로 이런 음악도 가능하다'는 일종의 예시를 보여주었다. 베토벤 스스로도 이 작품이 이룩한 음악적 성취에 대해 상당히 만족했으며 작품에 대한 자부심이 대단했다고 한다. 물론 당대에는 당연히 연주하기 매우 어렵고 이해하기도 어려운 작품이라는 평을 받았는데, 원래 베토벤은 남들이 자기 작품 때문에 힘들어하는 것을 즐겼던 사람이니.
이 작품은 2년 반 후에 출판된 또 하나의 걸작인 열정 소나타와 공통점이 상당히 많기 때문에 두 작품은 일종의 형제처럼 여겨지기도 한다. 다만 발트슈타인 소나타는 열정 소나타 때문에 손해를 많이 본 측면이 있는데, 이 열정 소나타의 임팩트가 너무 강한 나머지 작품성 측면에서는 결코 밀리지 않음에도 불구하고 인기 측면에서 많이 밀리는 상황이 되어 버렸다. 그나마 후세 사람들이 이 작품에 피헌정자(발트슈타인)의 이름을 붙여서 작품의 의의에 걸맞는 명성을 가질 수 있도록 배려했지만, 아직도 열정 소나타에 비하면 상대적으로 대중적인 인지도가 약한 편이다.
한편 발트슈타인 소나타가 출판된지 15년 후에 베토벤은 피아노 소나타 분야에서 또 한 번 혁명적인 대작을 내놓는다. 이 작품도 피아노 제작의 기술적인 진일보와 새로움을 추구하는 베토벤의 철학이 맞물려서 탄생했다는 점에서 발트슈타인 소나타와 일맥상통하고 있다.
5. 여담
[1] 해당 부분은 작품에 대해 대략적인 것만 서술하고 있으므로 심화된 내용을 알고 싶다면 관련 논문이나 전문서적을 참고하기 바란다.[2] 해당 부분은 작품에 대해 대략적인 것만 서술하고 있으므로 심화된 내용을 알고 싶다면 관련 논문이나 전문서적을 참고하기 바란다.[3] 스카를라티의 일명 '고양이 푸가(K. 30)'가 대표적인 예이다. 스카를라티 항목 참조.[4] 대표적인 예가 바로 5번 교향곡(운명)인데, 이 교향곡은 아예 1악장 서두에 등장하는 그 유명한 '따다다단' 단 4개의 음표만으로 30분이 훨씬 넘는 규모의 곡을 구성하고 있다. 웬만한 작곡 능력으로는 엄두조차 낼 수 없는 수준. 물론 천하의 베토벤이 아름다운 선율을 창작할 능력이 없어서 구성에 중점을 둔 것은 절대 아니다. 베토벤은 선율미가 돋보이는 작품도 많이 썼는데, 대표적인 예가 바로 6번 교향곡(전원)이다.[5] 쉽게 이해가 안된다면 한 번 아리랑의 선율을 한음 높이거나 내려서 불러보자. 원 곡의 처량함과 아름다움이 온데간데 없어진 것을 느낄 것이다.[6] 왼손의 음역대가 높기 때문에 이 부분은 보통 크로스핸드로 많이 연주한다. 위의 동영상 참고.[7] 이 안단테 파보리를 그대로 2악장으로 배치할 경우 연주시간이 30분을 훌쩍 넘어간다.